Radiohead – A Moon Shaped Pool (2016) [CLSK Review]

Cuesta retomar la línea de un grupo cuando ha estado por años bajo un silencio extremo, porque más allá de que sea un reencuentro entre ellos y nosotros, es...
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Cuesta retomar la línea de un grupo cuando ha estado por años bajo un silencio extremo, porque más allá de que sea un reencuentro entre ellos y nosotros, es una continuidad de la sonoridad histórica que tiene Radiohead desde Pablo Honey en 1993; porque sí, ya han pasado más de veinte años desde que salieron a conquistar el mundo con la música que sólo una mente como la de Thom Yorke puede imaginar y plasmar en lo concreto.

Burn The Wich” es la bienvenida, una canción que esperó años para ser publicada pero al fin quedó completa, tanto así que fue la que inauguró la reaparición de la banda en la redes sociales a través de su videoclip siendo el primer sorbo de lo que es el exquisito menú de A Moon Shaped Pool. Desde un comienzo la cosa se pone interesante con la ayuda de la London Contemporary Orchestra, sumándole dramatismo, energía e intensidad a una canción que se nos hace corta en su duración.

El segundo video que acompañó el lanzamiento del disco fue “Daydreaming”, donde vemos a un Thom ya mayor, dejando ver su estado actual, tanto físico como interno, mostrando inquietudes y recorridos aleatorios que entre sí significan más que algo. Un tema errático y maduro a la vez, que mueve los parámetros ya conocidos de potencia a una melodía sutil, pero cargada de sentimientos que bordean la nostalgia.

La pausa sigue con “Decks Dark”, la que refleja el ritmo que Radiohead gusta seguir desde hace un par de discos atrás, conjugando elementos electrónicos con los instrumentos básicos del rock. Jonny Greenwood comienza a tomar el protagonismo de las canciones con su talento, uno que muy pocos poseen porque no se cobija en la velocidad ni en trucos, sino que es experto en transparentar sus emociones a través de las cuerdas.

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Casi como continuación de lo anterior, “Desert Island Disk” comienza como acústica y progresivamente va sumando sonidos en sus tres minutos y medio de extensión. El quiebre surge con “Ful Stop”, el track que marca un antes y un después dentro del trabajo; es prácticamente instrumental y con atisbos tribales, de trance y donde la voz de Thom se suma a ello, siendo un elemento musical más en la composición.

Glass Eyes” actúa como un estado de calma, previo a lo que es “Identikit”, un tema que destaca por el ritmo en batería que Phil Selway retoma como continuidad de sonidos del pasado, un ritmo marcado pero no agobiante, que da la pauta unificante dentro del grupo. Con “The Numbers” la vida vuelve a su centro y se generan libertades dentro de Radiohead, con momentos para experimentar y para integrar sonidos de la orquesta nuevamente.

Desde el 2008 que “Present Tense” ha estado en la mente del grupo y este fue el momento escogido para su definitiva presentación, con una cadencia constante, una sensación de letargo ambiental y una letra bastante emotiva. Es momento de “Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief”, con un sonido que crea la ilusión de ser palpable, granulado y con una consistencia suave, sin duda un punto (casi) final que calza muy bien con lo que es Radiohead, una banda que siempre va un paso más adelante que nuestras propias inquietudes musicales, sin estar 100% conscientes de ello.

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En una nueva versión de la ya conocida “True Love Waits”, casi como una deuda pendiente del grupo cambiando la guitarra por la compañía de su piano, Thom Yorke luce las posibilidades y capacidades que tiene para reinterpretar sus propias composiciones una y otra vez, como si la imaginación no tuviera límites en su cabeza. Así finaliza el noveno trabajo de estudio de los británicos, quienes no quisieron ser parte de la nueva moda de ir mostrando de a poco un nuevo disco, sino que en un par de días decidieron sorprender a todo el mundo con un necesario balde de agua fría que vino a remover emociones y recuerdos.

Hay que reconocer que la juventud y esa energía desbordante de los años noventa ya los está abandonando, pero han transformado esa vitalidad en pura sabiduría y calidad, donde cada nota tiene un sentido y busca provocar al receptor, no engañándolo con la formula ruidosa e invasiva, sino que bajo la simple y delgada fibra emocional que está conectada a la música. Saben muy bien dónde poner el énfasis, tanto en sus instrumentos como en la post producción del disco, sonando a la perfección en su mezcla.

A través de sus canciones se refleja la madurez que han alcanzado, no queriendo impresionar a nadie más que a sus propias necesidades, generando espacios para la conjugación de lo electrónico con lo clásico, para lo frenético con lo nostálgico, donde cada músico va y viene dentro del extremo de sus capacidades, cada uno a su tiempo y haciendo buen uso del talento ya reconocido. Sinceramente esperamos que este nuevo trabajo los lleve a recorrer el mundo y en una de esas, vengan nuevamente a este confín de América.

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